¡Enciende tu cosmos!

Hay momentos de la infancia que son decisivos. En mi caso, aquel fin de semana en el que descubrí a Los Caballeros del Zodíaco. Como ya expliqué en una entrada de este blog hace muchísimos años, ese día cambió mi vida. Con la serie llegó el manga. Con el manga las visitas habituales a la tienda de cómics. Con las visitas habituales a la tienda de cómics el hábito de comprarlos. Así hasta hoy, unos 30 años después.

Cuando era pequeño tenía varios caballeros de juguete. Camus, Hyoga, Shun, Seiya, Marin… Esos juguetes acabarían siendo regalados por mi madre a los niños sin dinero y ahí acabó la cosa. Hasta este verano. Después de años resistiéndome, he comprado mi primer myth cloth. Por supuesto, ha sido el de mi caballero favorito, Hyoga, pero vistiendo la armadura de Acuario, mi signo zodiacal.  Además, ya he encargado una de Seiya vistiendo la armadura de Sagitario, una de Shiryu vistiendo la armadura de Libra y otra de Sigfried de Alfa, uno de los caballeros de Asgard.

Por si fuera poco, he completado la colección de la serie de animación y películas y estoy leyendo dos de las series que amplían el universo Saint Seiya: Saintia Sho y Myth Hades. De momento me parecen bastante entretenidas.

Así que se podría decir que sí, que he encendido mi cosmos este verano.

The Authority: El año perdido

Cuando Warren Ellis y Bryan Hitch dieron un golpe de mesa en las páginas de la serie StormWatch y, tras una magnífica remodelación paulatina de la misma, la transformaron en The Authority, sentaron las bases para que cualquier equipo artístico que viniese después realizase historias de gran carga épica con los personajes. Por esta razón, cuando se anunció que Grant Morrison y Gene Ha se hacían cargo de la serie hubo muchas reacciones de júbilo, la mía incluida, que finalmente se tornarían en suspiros de decepción al comprobar que apenas duraron dos números y que el proyecto parecía cancelado. Era una lástima porque, tras la etapa de Robbie Morrison y la posterior estancia de Ed Brubaker al guión, se hacía más que evidente que The Authority necesitaba un revulsivo que la sacara del ostracismo en la que se encontraba y Grant Morrison parecía el indicado. No fue hasta varios años después cuando WildStorm anunció que Keith Giffen continuaría lo empezado por el escocés más irreverente de los cómics (sí, no tengo en cuenta a Mark Millar). Giffen y Morrison hablaron por teléfono y la historia continuó en la misma línea, con los personajes atrapados en un mundo alternativo tras una avería de El Transporte, el misterioso y desconocido cuartel general/arma del equipo.

El año perdido, como se rebautizó a la serie (ahora serie limitada), resulta bastante decepcionante en su ejecución, aunque hay momentos que valen la pena y hacen que, en conjunto, la obra mejore y no resulte un despropósito. Tomando la idea que Morrison plantea sobre el mal funcionamiento de El Transporte, Giffen se centra en desarrollar la psicología del equipo, tanto de cada uno de los componentes, como del grupo en conjunto, a través del contraste que va presentando con las versiones alternativas de The Authority con las que conviven en cada uno de los mundos que visitan. La visión de estas versiones tan distintas de sí mismos creará algunas crisis en personajes como Apollo, Engineer o Jack Hawksmoor, que serán resueltas a lo largo de la miniserie. Esto recuerda un poco al trabajo de Giffen en la JLA/JLE/JLI de DC, paralelismo que se explota en uno de los momentos álgidos de la obra, la saga que realiza con J.M. DeMatteis (su compañero en la famosa etapa de la Liga) que es un claro homenaje a su trabajo previo y es quizás donde más humor encontramos y donde más interés se despierta en el lector. También la última saga es muy potente y nos deja varias imágenes y reflexiones para el recuerdo.

En resumen, The Authority: El año perdido es una obra peculiar, que parte de la idea de un escritor pero que el desarrollo de otro guionista termina por dotar de cierta entidad, aunque el resultado esté muy alejado de los grandes trabajos de ambos. A este resultado contribuye la ingente cantidad de dibujantes, demasiados para únicamente doce episodios, lo que resta estabilidad al conjunto. También hay que señalar que la edición de ECC es algo cara, como casi todos sus tomos, pero es efectiva y no quedará mal en tu estantería.

Blame!, un futuro distópico por Tsutomu Nihei

Hace unos meses Panini comenzó la reedición de Blame!, el manga distópico creado por Tsutomu Nihei hacia finales de los años 90 y que, hasta el día de hoy, es uno de sus mayores éxitos a nivel mundial.  Publicada en edición kanzenban, Blame! nos muestra el viaje del aventurero Killy para encontrar humanos con genes de conexión a través de La Ciudad, una súper estructura que rodea la Tierra  que está formada por miles de niveles interconectados que no paran de crecer gracias a los androides constructores de El Sistema, la inteligencia artificial que domina La Ciudad,  una empresa que parece difícil y que se irá mostrando casi como imposible a lo largo de la obra. Representante del género del cyberpunk, Blame! nos sumerge en un silencioso, post-apocalíptico y trágico recorrido en busca de unos genes puros que bien podrían no existir ya a pesar de que habrá varias facciones que persigan un objetivo similar al del protagonista.

Hay varios elementos que destacan de forma llamativa en esta obra. En primer lugar, es de justicia hablar de la narrativa y  del diseño de fondos de La Ciudad que plasma Nihei, puesto que se convierten en protagonistas al mismo nivel que los personajes que van apareciendo. Esto es así porque la mayoría de las páginas entre batallas sirven para el lucimiento visual y narrativo del autor, quien demuestra un amplio dominio de las perspectivas y del diseño de estructuras imposibles, así como de un gran dominio de la cadencia para compaginar las escenas de acción con el interminable devenir de Killy en su viaje. Basada en el concepto de la esfera de Freeman Dyson, La Ciudad es un lugar amenazador en todo momento, incluso cuando no se perciba la cercanía de ninguno de los múltiples enemigos que se irá encontrando Killy en su camino. Este rasgo se verá potenciado cuando, de la nada, surjan de los recovecos de este mundo post-apocalíptico los sórdidos androides dispositivos de seguridad, los inconmensurables constructores o los temibles Seres de Silicio a los que Killy tendrá que hacer frente en solitario o junto con sus ocasionales aliados.

Por otro lado, me gustaría destacar el uso estilístico del silencio hecho por Nihei, ya que es una obra en la que los pocos diálogos que podemos leer sirven para reubicar en la trama al lector , quien durante las páginas previas probablemente haya sido testigo del viaje solitario y silencioso de Killy  a través de los distintos niveles de La Ciudad, una estructura inmensa, casi infinita, y prácticamente vacía, en la cual los pocos humanos supervivientes están bien escondidos de los múltiples enemigos que los acechan. Los únicos que acompañan a nuestro protagonista en el viaje son esos extraños ruidos, representados mediante onomatopeyas, que tienen como función dar vida al escenario. A pesar de esta forma casi minimalista de desarrollar la historia, Nihei va aportando la información necesaria para el lector, bien por las breves secuencias de diálogo o bien a través de avisos y mensajes visuales contenidos en el gran escenario que es La Ciudad. Este abuso del silencio llega a ocasionar confusión en algunos momentos, especialmente hacia el final, del cual, he de decir, no sé si he comprendido el significado en su totalidad.

Finalmente, hay que señalar también que el diseño de personajes es muy significativo. Killy y su inseparable pistola de partículas todopoderosa, Cibo, Sanakan, los temibles androides del dispositivo de seguridad o los asombrosamente diseñados Seres de Sicilio contrastan con la inmensidad espacial en la que transcurre la historia por su excesivo pero simple diseño, acorde con las batallas que se plantean. Y es que las escenas de acción están hechas para el deleite visual del lector y Nihei pone todo de su parte para que las batallas resulten atractivas, llamativas e inesperadas. La contundencia visual en Blame! es abrumadora.

Blame! es uno de esos mangas que entran en la categoría de «clásico en su género» y que gracias a la reedición de Panini he podido disfrutar. Su lectura es ágil, aunque en ocasiones confusa, y la narrativa casi muda te va llevando a través de La Ciudad casi como si fueses un compañero de viaje del protagonista.  No siempre sabrás lo que está sucediendo porque la manera de contar los sucesos que han llevado a Killy a emprender el ascenso de la megaestructura no se cuentan de forma lineal ni de forma directa en algunas ocasiones, pero al final te quedarás con casi todas las respuestas. Por cierto, recientemente se ha estrenado en Netflix una película basada en parte de la historia original que también recomiendo.

Para más información sobre el argumento, recomiendo consultar su página en wikipedia (también en inglés)

Fuimos gigantes

Hay relaciones que parecen destinadas a ser para siempre. Es la historia de un amor que nació para ser grande…eterno. Scott Summers y Jean Grey. Una pareja a la que el amor les encontró siendo jóvenes. Les vimos crecer, madurar, separarse, volver a encontrarse, cambiar, luchar, morir, buscar refugio en brazos de otras personas, resucitar, reencontrarse, no saber cómo actuar uno frente al otro, volver a enamorarse, conocer a sus hijos del futuro, casarse, irse de luna de miel, vivir como una extraña pareja, luchar, perderse, encontrarse de nuevo, dudar de su amor, separarse, encontrar el amor verdadero con otra persona, morir, seguir adelante, cambiar, liderar y morir, ser jóvenes de nuevo y no querer cometer los mismos errores. Resucitar. Estar solos.

Y como el tiempo no perdona, se nos olvidó luchar…

Fuimos el aire, fuimos el viento, como una tormenta tú y yo fuimos grandes.

Hoy no queda nada. Fuimos gigantes.

 

La Gramola de Graymalkin Lane

Un año más, una edición más de La Gramola de Graymalkin Lane. En esta ocasión, y como siempre, una versión de disco, un directo y una cover. A destacar que es una edición centrada en concursantes de talent shows, siempre tan menospreciados por ser productos prefabricados y que tanto y tan bueno suelen ofrecer durante su participación en el concurso de turno.

Adam Lambert. Whataya Want From Me. Una de las mejores voces del panorama musical internacional, Lambert lleva unos años sustituyendo a Freddie Mercury al frente de Queen. El tema que comparto es uno de los primeros éxitos de este artista salido de American Idol.

Amaia Romero. Shake It Out. La edición 2017-18 de Operación Triunfo será recordada por muchas cosas. Por volver a generar un fenómeno fan como no se vivía desde la edición de 2001. Por ser casi el mejor ejemplo de producto transmedia creado en los últimos años. Por encontrar a un montón de triunfitos millennials con talento y conocimientos musicales. Por muchas de las intervenciones de los participantes en las galas. Y por este numerazo de Amaia versionando a Florence+The Machine en uno de los temas más importantes de mi vida.

Jena Irene. Creep. Versionar a Radiohead es atreverse mucho. Hacerlo con tanto nivel y sensibilidad, es síntoma de calidad. A continuación, otra gran concursante de American Idol.

Como bonus, Agoney Hernández con Je suis venu te dire que je m’en vais, otro de los últimos concursantes de OT, interpretando este temazo versionando a Rufus Wainwright versionando a Serge Gainsbourg. Una de los dos temas más escuchados en mi Spotify en lo que va de 2018.

Siempre pensando en cómics…

Nunca llegué a pensar que un personaje tan perdido durante décadas como Cíclope pudiera ser echado tanto de menos en la Marvel actual. Desde ResurrXión, no paro de pensar en lo mucho que los grupos X necesitan a Scott Summers (a su versión adulta, en concreto).

Pura emoción

Pura emoción es lo que tenemos en este vídeo de Damien Rice en concierto en el que interpreta dos de sus canciones, la conocidísima The Blower’s Daughter y Elephant, de forma muy conmovedora y melancólica. Silencio absoluto en el público para disfrutar de la voz y la guitarra.

 

Zodiac (2007)

Como propósito de año nuevo nuevo, me he planteado que quiero ver más cine en este 2017. También series de mejor calidad, ahora que me voy a quitar de encima a varias series mediocres/malas/pésimas que estaba siguiendo bien por curiosidad, bien por seguir la trayectoria de personas implicadas en ellas. Lo de ver más cine es algo relativamente fácil porque tengo muchísimas películas pendientes, y muchas que quiero revisionar, y en este año hay previstos varios estrenos que no me quiero perder.

La primera película del año ha sido Zodiac de David Fincher, que trata sobre la investigación policial y periodística de la figura de El Zodíaco, el famoso asesino en serie con ganas de notoriedad que aterrorizó California desde finales de los 60 hasta mediados de los 70. Protagonizada magistralmente por Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr., John Carroll Lynch y Chloë Sevigny (entre otros), Zodiac destaca por un uso magnífico del montaje para potenciar un guión lleno de datos que, como la propia investigación, van invitando al espectador a introducirse en la historia para hacer cábalas, a sorprenderse ante los giros argumentales causados por los mil obstáculos judiciales que encontraban los inspectores en su búsqueda del asesino y a obsesionarse como el joven ilustrador por descubrir la identidad de El Zodíaco. Al mismo tiempo, hay un elemento psicológico muy importante que potencia el ritmo tranquilo, pausado y sobrio de la película. Seguramente, es una de las grandes películas de la década pasada (también técnicamente), aunque creo que quedó un poco desdibujada por compartir género con Seven, una de las obras maestras de Fincher.

La Gramola de Graymalkin Lane

Nueva edición invernal de esta sección tan aperiódica. Como siempre, una versión de disco, un directo y una versión.

Lady Gaga. Born This Way. Esta semana ha sido la ganadora del Globo de Oro a la mejor actriz en una miniserie por su papel de La Condesa vampira en American Horror Story: Hotel. Una sorpresa para muchos, yo incluido, aunque creo que ella está fantástica. Aunque tampoco creo que le haya sido demasiado complicado meterse en la piel de tan esperpéntico personaje. Como homenaje, el tema que considero su himno.

David Bowie. Heroes. Versión magnífica y enérgica de su clásico en un concierto en Berlín hace 14 años. Parece mentira que haya muerto. Tal vez se haya marchado el mito, pero siempre quedará la leyenda.

 

I dreamed a dream. Male Duet cover. No sé si había compartido ya esta versión del clásico de Los Miserables en otra sección, pero es tan magnífica que da igual.

 

Bajo la lluvia púrpura

Me quedan dos episodios para acabar la primera temporada de Marvel’s Jessica Jones. Me cuesta mucho ver más de dos capítulos seguidos porque la manipulación psicológica a la que es sometida constantemente la protagonista por parte de Killgrave, el Hombre Púrpura, me da muy mal rollo y me fascina al mismo tiempo. Es increíble cómo han conseguido plasmar una relación tan enferma, retorcida e insufrible como metáfora de muchas relaciones de pareja que resultan siendo dañinas para ambas partes. Killgrave es, probablemente, el mejor villano visto hasta ahora en las adaptaciones de imagen real de Marvel: complejo, carismático, inquietante, vulnerable, insaciable, retorcido e inclemente. Jessica y su entorno son terriblemente humanos en un mundo de héroes, de invasiones Chitauri y de ciudades que caen del cielo. Y, sin embargo, harán lo imposible por detener a Killgrave, yendo, incluso, más allá de lo correcto. Con esta serie, definitivamente, la Marvel cinematográfica ha llegado a la edad adulta.

 

I NEVER WANTED 2 BE YOUR WEEKEND LOVER
I ONLY WANTED 2 BE SOME KIND OF FRIEND
BABY, I COULD NEVER STEAL U FROM ANOTHER
ITS SUCH A SHAME OUR FRIENDSHIP HAD 2 END
PURPLE RAIN. PRINCE.